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viernes, 24 de julio de 2020

Dónde Alojarse Y Comer En Australia: Sydney Y Melbourne

El que la aerolínea Qatar ofreciera un vuelo (estacional) Málaga – Doha nos hizo más asequible visitar uno de nuestros países más deseados, Australia. El coste no era elevado y el vuelo nos permitía estar en nuestras antípodas en 24 horas con una sola escala. Como contrapartida debíamos estar en un avión 8 y 15 horas. Que dicho así, es tan cansado como parece. Pero el destino merecía la pena. Aquí te vamos a contar dónde nos hemos alojado en Sidney y en Melbourne y alguno de los sitios donde hemos comido en ambas ciudades.

Nuestras vacaciones fueron del 1 al 15 de agosto, teniendo en cuenta que perdíamos dos días a la ida prácticamente y 1 día a la vuelta. Como decíamos, los vuelos eran largos y sabíamos que iba a ser cansado. Salimos de Málaga el día 1 de agosto a las 9.15 am y llegamos el día 2 a las 17.35 pm, tras una escala de un par de horas en Doha. La vuelta fue similar. Salimos de Sydney el día 14 a las 15.05 pm y llegamos a Málaga el día 15 a las 8 y pico de la mañana.

Qatar es una de las mejores aerolíneas en las que hemos volado, de hecho, es la segunda en el ranking de las mejores aerolíneas del mundo, detrás de Singapore Airlines. La comida está bastante buena para ser de avión y el personal de cabina es muy amable y atento. Lo que no nos gusta es que no existe la posibilidad de dos asientos, son todos de 3 en los laterales y de cuatro en el centro lo que impide algo de intimidad en unos vuelos que son muy largos y cansados. En todo caso, el vuelo de ida fue bastante bien por las ganas de llegar a Australia, pero para la vuelta (volar 15 horas y después otras 8 horas nos agobiaba un poco) aceptamos la oferta de "upgrade" que nos hizo la compañía para el vuelo más largo y bueno, ¿qué podemos decir de la clase bussines de Qatar? Im-presionante.

No teníamos muchos días y a pesar de querer verlo todo, éramos conscientes, por las distancias entre ciudades, de que eso iba a ser imposible. Así que decidimos dedicar los 12 días completos que teníamos a visitar solo las dos ciudades que más nos apetecían: Melbourne y Sydney. Organizamos el viaje de tal manera que pasamos las primeras 4 noches en Sydney para aclimatarnos e ir haciendo boca con la Ópera y algunas visitas sin cargarnos mucho, después volaríamos a Melbourne para pasar allí otras 4 noches y volveríamos de nuevo a Sydney para nuestras últimas 4 noches con el objetivo de terminar de ver lo que nos quedara pero sobre todo para disfrutar con calma de la ciudad.

Melbourne es impresionante y tal vez merecía más días, pero este fue nuestro planteamiento inicial y así lo hicimos. Una buena opción hubiera sido llegar a Sydney y regresar por Melbourne pero será para una próxima vez. Incluso también podríamos optar por regresar desde Perth para aliviar algunas horas al trayecto de vuelta.

En cuanto a los alojamientos, dudábamos entre elegir el mismo hotel para nuestras dos estancias en Sydney o seleccionar diferentes. El primer hotel seleccionado era un 5 estrellas bastante asequible y las fotos eran estupendas. Aún así, decidimos buscar un hotel diferente por si acaso, pero dejando abierta la posibilidad de cancelar por si el primer hotel nos encantaba. Menos mal que elegimos otro para la segunda vez, os explicamos más adelante.

En todo caso, lo que sí teníamos claro es que queríamos hoteles bien ubicados para poder ir andando a la mayoría de los sitios que queríamos ver en cada ciudad y cerca de una estación de bus o tranvía. En Melbourne esto es bastante más fácil porque tienen la Free Tram Zone (una zona de tranvía que rodea el centro de la ciudad y que es gratuita) que funciona estupendamente. Decir aquí que nosotros solo pagamos transporte público un par de días en cada ciudad, aprovechando que queríamos visitar las playas más conocidas en cada una. Lo demás lo hicimos todo andando, que es lo que nos gusta. Al final nos hemos hecho una media de 10-13 km diarios a pie.

Antes de entrar en los detalles de los hoteles y sitios para comer en Sydney y Melbourne os queremos dar alguna información de interés, como la web donde podéis cumplimentar la información para la visa de turismo (obligatorio hacerla y llevarla impresa porque te la piden cuando vas al mostrador de facturación). También os pasamos al enlace a la web del Ministerio de Asuntos Exteriores con información sobre el país, así como los datos de contacto de los Consulados de España en ambas ciudades.

· Visa turismo: eVisitor (subclass 651).

· Recomendaciones Ministerio Asuntos Exteriores.

· Es aconsejable incluir nuestros datos en el registro de viajeros del Ministerio de Asuntos Exteriores.

· Direcciones de los Consulados:

Consulado General en Melbourne (Victoria)
146A Elgin St. Carlton Victoria 3053.
Teléfonos: (+61) 3 9347 1966 y (+61) 3 9347 1997
Emergencia consular: +61 400 234 613. (+61) 3 9347 1966 y (+61) 3 9347 1997
Fax: (+61) 3 9347 7330
Dirección de correo: cog.melbourne@maec.es/ spainmel@bigpond.net.au
Página Web

Consulado General en Sydney
Level 24, St. Martins Tower.- 31 Market St.- Sydney, N.S.W. 2000.
Teléfonos: (+61) 2 9261 2433, (+61) 2 9261 2443 y (+61) 2 9261 1321
Emergencia Consular: +61 412 258 989
Fax: (+61) 2 9283 1695
Dirección de correo: cog.sydney@maec.es
Página Web

Y aquí tenéis la página web Turismo Australia en español.

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Dónde Alojarse en Sydney

A continuación os damos alguna información de los dos hoteles en los que hemos estado en Sidney. Os recordamos que las opiniones son totalmente personales y basadas en nuestras experiencias.

Sydney 2 al 6 agosto

Amora Hotel Jamison Sydney

Dirección: 11 Jamison Street, Centro financiero de Sídney, 2000 Sídney, Australia (Teléfono: +61296962500). Con piscina, spa, desayuno incluido y wifi.

Web

El hotel está muy bien situado para ir andando a las atracciones principales del centro de Sydney y, por supuesto, acceder a Circular Quay para disfrutar del maravilloso puerto de esta ciudad, su Ópera y su magnífico puente. La habitación que nos dieron era muy espaciosa igual que el baño. El mobiliario, a pesar de la impresión que da en fotografías, es algo anticuado y la limpieza podría mejorar pero en su conjunto, la habitación está muy bien, aunque no es un 5 estrellas y de ahí que el precio no sea tan elevado y más teniendo en cuenta que allí es invierno. El desayuno no está nada mal aunque no nos volvió locos, también hay que decirlo. No hay ningún cambio diario así que termina aburriendo un poco. Tampoco hay variedad de tés o cafés y el que hay no está muy bueno que digamos. El servicio es amable pero la atención es básica. Por ejemplo, no te ofrece información de las cosas que puedes pedir además de lo que tienen expuesto, como gofres. Y están muy buenos.

Solo tenemos un par de quejas del hotel. Insistimos, quejas basadas en nuestra experiencia y que tal vez sea una experiencia aislada pero a nosotros nos sirvió para saber que habíamos hecho muy bien al haber elegido otro hotel al volver de Melbourne.

La primera pega que les ponemos a este hotel es que les escribimos a su web con una consulta sobre nuestro traslado a Melbourne y no nos contestaron ni con un "lo sentimos señores, no podemos ayudarles". Silencio absoluto y eso nos parece un error bastante importante. La segunda pega es que uno de nosotros cayó enfermo un día y pedimos que nos recomendaran un/a doctor/a. Amablemente nos dijo una persona del hotel que hablaba español y a la que pudimos explicar el problema, que preguntaría en Conserjería con qué médicos trabajaban y nos llamaban de inmediato. Todavía estamos esperando. Finalmente decidimos ponernos en contacto con nuestro seguro médico y todo lo solucionamos bien. Lo que no nos gustó es que a la hora de solicitar la cena en la habitación pedimos una dieta blanda y solo insistían que podían subir lo que estaba en el menú. Nos obligaron a pedir el plato del menú que más se acercaba a lo que necesitábamos pero con cero empatía y amabilidad. Ahí perdieron toda nuestra valoración como hotel. Cuando estás tan lejos de casa, en un país que no es el tuyo, donde se habla otra lengua lo que necesitas es empatía, amabilidad y saber que están intentando por todos los medios ayudarte en la medida de sus posibilidades. Nada de eso ocurrió. Así que resumiendo:

Pros: está muy bien situado, accesible a un paseo a todos los atractivos turísticos del centro y a un paso de la Plaza Wynward, punto de encuentro de muchos medios de locomoción.

Contras: Tanto el servicio como la habitación no es de un 5 estrellas, no responden a las consultas que se les hace a través de la web y correo y experimentamos cero empatía cuando tuvimos un problema de salud.

Sydney 10 al 14

Radisson Blu Plaza Hotel Sydney

Dirección: 27 O'Connell Street. Centro financiero de Sídney. 2000 Sídney. También con piscina y spa, desayuno incluido y wifi.

Web.

Afortunadamente este hotel es lo que esperas de un 5 estrellas, un personal amabilísimo, una habitación que te acoge cuando llegas muerto de visitar la ciudad e igual de bien situado que el anterior. La habitación era muy amplia y muy confortable y el desayuno no está nada mal. Es amplio aunque tampoco varía mucho. Aquí sí puedes elegir el tipo de té que quieres tomar. Perfecto para nuestros últimos días en el país. Para ser justos, hay que decir que no tuvimos que ponerles a prueba con ninguna situación especial, así que tampoco sabemos qué hubiera ocurrido si uno de los dos enferma. En todo caso, el hotel nos gustó muchísimo.

Pros: Todo. Ubicación, confort, amabilidad del personal, desayuno.

Contras: Nada.

Dónde alojarse en Melbourne

Melbourne 6 al 10 agosto

The Victoria Hotel

Dirección 215 Little Collins Street. Tiene piscina, con desayuno y con wifi.

Web.

Este hotel de 3 estrellas está muy bien situado en Melbourne. No podíamos querer estar en mejor sitio, la verdad. A un paseo corto de la estación de Flinders y de Federation Square, pero también de Chinatown y de los miles de centros comerciales, tiendas y restaurantes de las principales calles de la ciudad que hacen que las noches en esta zona sean vibrantes y divertidas. La habitación era sencilla, al igual que el baño, pero limpia y suficiente para ir al hotel a dormir tras patearte esta increíble ciudad. Nuestra recomendación es pasar del desayuno. No es un servicio que ofrezca el hotel mismo, sino un restaurante que hay anexo, pero a poca distancia hay una gama amplia de opciones para desayunar, así que no merece la pena pagar los 19 AUD (cada uno) al día como hicimos nosotros, porque es que no está bueno o, al menos, a nosotros no nos gustó nada. Tanto fue así que un día pasamos de desayunar en el hotel para disfrutar de nuestro querido Max Brenner que lo teníamos cerca (ya os hablamos de este restaurante en nuestro post sobre NY, pero es una empresa australiana. Para ser honestos, la comida está igual de buena pero la variedad y el local es muchísimo mejor en NY, aún así, más que recomendable desayunar o merendar aquí alguna vez).

Pros: Ubicación perfecta. El hotel cumple con lo que se espera de un hotel de 3 estrellas.

Contras: El desayuno. No lo recomendamos.

Dónde comer en Sydney

Antes de hablar de los lugares donde comimos queremos decir que nos encantó que en los restaurantes te preguntan directamente, si queríamos agua natural (de grifo) o con gas. En otros, tienes botellas con agua y vasos que puedes rellenar cuantas veces necesites. Otro dato destacable es que en algunas ocasiones, como en el Ópera Bar, vas a la barra, pides, pagas y te dan un número y las bebidas y luego te llevan ellos los platos. Un sistema cómodo y sencillo que nos gustó bastante. Las propinas, leímos que no estaban institucionalizadas y no son obligatorias como en Canadá o EEUU pero nosotros las dejamos como agradecimiento.

Aquí van algunos de los sitios donde hemos comido nosotros y nos han gustado:

Din Tai Fun. Nosotros fuimos al que está en el centro comercial Westfield Sydney entre Market Street y King Street. Según vimos en alguna de las webs que consultamos antes de ir, se trata del mejor restaurante tailandés para comer dumplings. A nosotros no nos pareció espectacular, pero se come bien y abundante.

Max Brenner. En el mismo centro comercial Westfield Sydney, nuestro lugar preferido para algo dulce. Un paraíso del chocolate, crepes y gofres del que también disfrutamos en Melbourne.

El jardín Chino de la Amistad, en Darling Harbour. Es un sitio ideal para tomarte algo ligero tras recorrer toda esta zona y darte un respiro en este remanso de paz y además sus muffins de zanahoria y naranja no están nada mal. Merece la pena si visitas el jardín.

Hugos, en la playa de Manly. Es un lugar de moda lleno de gente y algo ruidoso pero se come muy bien, está al lado de la estación del ferry, justo al lado de una playa y con unas preciosas vistas si logras sitio en el exterior.

Munich Brauhaus en The Rocks. Comida contundente a base de platos tradicionales alemanes. Si quieres reponer fuerzas tras un día pateando la ciudad este puede ser tu sitio. Nosotros nos decantamos por dos especializados en diversas salchichas del país, una gran cerveza y una sidra muy dulce, casi empalagosa. Terminamos llenos, tanto que luego cenamos solo un helado - no se lo digáis a nuestras madres ;) - .

Ópera Bar. Un sitio espectacular, justo a los pies de la Ópera, para beber una copa por la noche disfrutando del ambiente (siempre está llenísimo), de la música en vivo o de las impresionantes vistas al puente y, por supuesto, a la Ópera. También es una más que buena opción para comer o cenar. Nosotros hicimos ambas cosas, comer y cenar y en cada ocasión disfrutamos. En nuestra primera cena aquí elegimos las tablas de embutidos (habitual en nosotros) y unos exquisitos postres. Buenísimos. Para la comida del día de despedida, preferimos un plato de pasta y una ensalada de Halumi.

The Squire's Landing, en el lado opuesto al Ópera Bar, al lado del Overseas passenger Terminal del Puerto de Sydney, con vistas privilegiadas del puente y de la propia Ópera. Los platos son espectaculares a la vista pero debemos decir que la carne no es la mejor que hayamos probado. Tal vez algo más ligero hubiera sido una mejor opción. Esperamos describirlo en otra ocasión, pero aunque solo sea para tomarte una cerveza, para nosotros es un imperdible por las vistas. Ojo, aseguraros de que no hay un barco crucero atracado porque os tapará las vistas a la Ópera.

Dónde comer en Melbourne

Ya en Melbourne, comenzamos con un restaurante a las afueras. Si visitas St Kilda, te recomendamos Abbey Road Café en Acland St, justo donde acaba y empieza el tranvía 96. La decoración es chulísima y el ambiente es muy agradable. Aquí nos paramos para tomar una sopa calentita (hacía bastante fresco) y una "pie" de cereza casera. ¡Perfecta!

Si estás en la National Gallery of Victoria, en Melbourne, una buena opción es tomarte algo ligero en su cafetería. La entrada es gratuita y puedes tomarte algo, visites o no sus colecciones privadas (que sí son de pago) o sus obras de grandes maestros de la pintura y escultura. Nosotros nos tomamos unos sándwiches y paninis buenísimos en nuestro almuerzo y después hicimos la visita al museo. Al salir, decidimos tomarnos una tarta de zanahoria para merendar antes de volver al centro. Nos encantó el ambiente y la comida.

Mercado Victoria. La opción de comidas es diversa aunque más bien asiática. También hay un restaurante español pero nosotros nos inclinamos por la de India/Sri Lanza del Drums. Los platos están muy buenos y son más que abundantes.

Cargo. Restaurante situado en el 55A New Quay Promenade, en los Docklands. Es un sitio todo acristalado que te permite disfrutar de las vistas de este imperdible de la ciudad como son los Docklands. La comida, al menos la pizza, no es para volverse locos pero está buena.

Sake. Restaurante japonés en el 121 Flinders Ln. Un elegante restaurante en el que ponen muy buen sushi y platos diversos. Por lo visto también tienen un bar de Sushi donde puedes comer todo el que quieras por un precio fijo. Los postres están de muerte.

Ippudo, situado en el centro comercial QV en Lonsdale St. Otro restaurante japonés, pero este es nuestro preferido y al que fuimos a cenar dos noches porque nos encantó. Es famoso por su Ramen pero nosotros nos enamoramos de sus Buns de pollo o cerdo y de su Nasu Dengaku que es berenjena frita con una deliciosa cobertura dulce. Crujiente por fuera y deliciosamente blanda por dentro. Los postres son otro imperdible de la carta.

Max Brenner. En el mismo centro comercial QV. Lo buscamos a propósito porque nos encantó el de Nueva York y queríamos probarlo en su país de creación, Australia. Y está buenísimo todo pero debemos reconocer, como hemos dicho antes que el de NY le da mil vueltas porque hay más opciones para comer, incluso hacer un brunch y además el lugar es chulísimo. Aquí en Melbourne o en Sydney no deja de ser un local dentro de un centro comercial. Aún así, si te gusta el chocolate y los postres dulces, te lo recomendamos 100%.

Esto es todo, esperamos que os haya sido de utilidad el post. Quedamos atentos a vuestros comentarios y aportaciones.

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LA ESCULTURA NEOCLÁSICA. CARACTERÍSTICAS ARTÍSTICAS. LA OBRA DE ANTONIO CANOVA Y BERTEL THÖRWALDSEN. La Escultura Neoclásica En España.

Como en la arquitectura, en la escultura neoclásica pesó el recuerdo arqueológico del pasado, muy presente si consideramos el gran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la luz en toda Italia y Grecia a partir de mediados del siglo XVIII, además de las colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos. El arte clásico ya era muy admirado desde el Renacimiento, pero ahora no sólo era admiración lo que animaba a los artistas, sino también estudio científico, sistemático y racional. Los escritos de Johann Joachim Winckelmann auparon a la escultura griega al supremo ideal estético y pidió a todos los artistas que la imitasen, restaurando un arte idealista.

Johann Joachim Winckelmann. Debajo podéis abrir como curiosidad e incluso descargar un ejemplar de uno de sus libros más influyentes entre los artistas de la época: Monumenti antichi inediti (1767-1768), donde presenta un esbozo general de la historia del arte.

Las características que debían tener las esculturas neoclásicas eran las siguientes:

Sobre el material: las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, porque así se pensaba que eran las esculturas antiguas. No pasaba por su imaginación que la mayoría de ellas se hicieron policramadas. El bronce fue también un material utilizado, pero aún no se había encontrado las principales piezas

Técnicamente, las superficies son muy pulidas y homogéneas. La escultura del período rechaza el efecto pictórico de la escultura barroca y concede todo el protagonismo a la línea pura de contornos bien delimitados, huyendo de las sinuosidades barrocas. En los relieves, las figuras se sitúan en un primer plano, renunciando a cualquier fondo de carácter pictórico.

Thorwaldsen, Bertel, Danza de las Musas en el Helicón, 1816.

Se imita lo clásico. Se imponen la elegancia y la serenidad, es decir, la moderación en las expresiones y sentimientos. Las esculturas resultan austeras y frías. Las poses correctas y medidas. No interesan los grandes movimientos violentos ni los escorzos ni las diagonales. Predomina la frontalidad. No surgirá una escultura llena de vida como la renacentista, debido al prejuicio de considerar lo clásico como un ideal insuperable que había de copiarse al pie de la letra. Y, en efecto, apenas hubo otra cosa que copia mecánica de la antigüedad. En realidad, en aquella escultura no interesaba sino la belleza puramente formal, el espíritu está ausente.

El desnudo tiene una notable presencia, aunque alejado del erotismo. Son desnudos juveniles y bellos basados en los ideales de proporción, espíritu equilibrado o sereno y movimiento relajado.

Lorenzo Bartolini. Carità educatrice, c. 1842-1845. Mármol, 192 × 80 cm. Rijksmuseum, Amsterdam. La mujer está cuidando a dos niños. Ella alienta al mayor a leer. En el pergamino se puede leer esta frase: "No hagas a otros, lo que no quieras que te hagan a ti". La mujer personifica la virtud de Caritas (la Caridad) en su papel de educadora, un tema típico italiano. Con esta escultura, Bartolini contribuyó a una discusión de actualidad sobre la importancia de la educación en la Toscana.

Desde el punto de vista de los temas, decae la temática religiosa, casi sustituida por la mitológica. Más que religiosidad, lo que se procura es una moral pública, de ahí que las figuras aparezcan recatadas y deban mostrar un mensaje edificante. Nos transmiten un bello ideal. También abunda el retrato, como consecuencia del afán de exaltar el espíritu de ciudadanía; los personajes dan ejemplo con su virtud. También son notables los sepulcros. Los temas tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo o columnas conmemorativas.

Antonio Canova. Modelo en yeso para la estatua en mármol de George Washington, 1818. Museo Antonio Canova, Possagno. En 1816, el Parlamento de Carolina del Norte decidió encargar una estatua que representara al primer presidente de los Estados Unidos, George Washington, ya muerto desde 1799. Thomas Jefferson, gran admirador de neoclasicismo propuso encomendar la tarea al mayor escultor de su tiempo, el italiano Antonio Canova. El trabajo, el único hecho para los Estados Unidos, representaba al presidente como un general romano sedente de mirada severa. En su mano una pluma y una mesa en la que están grabadas las palabras de despedida de la política que dirigió a los ciudadanos en 1796. Washington está representado no en la plenitud de su poder, sino en el acto de dejar el mandato para volver a la vida rural como el político y dictador Lucio Quinzio Cincinnato, ejemplo de generosidad y de virtud cívica. La idea de que un general o jefe de estado renunciara a su cargo o poder y que se retirase pacíficamente a la vida privada era casi increíble. La obra, lamentablemente, fue destruida en el incendio que se produjo en 1831 en el Edificio del Parlamento.

Ramón Barba. Fernando VII recibiendo los tributos de Minerva y de las Bellas Artes, 1830-33. Frontón de la puerta principal del Museo del Prado. Este es uno de los mejores ejemplos que podemos aportar del relieve neoclásico institucional y desde el punto de vista técnico, temático y artístico. Ramón Barba (1767-1831) fue un escultor pensionado por el rey durante casi veinte años en Roma, académico y segundo escultor de cámara desde 1828 y primero a partir de 1830. Representa un frío tributo de los dioses (alegorías de muchas fuerzas de la naturaleza) al soberano mecenas del edificio. En el extremo izquierdo, Clío, la Historia, escribiendo sobre la Alegoría del Tiempo, junto a Urania, representando las ciencias. A la derecha del monarca, Fernando VII, bajo la inspiración de Minerva como diosa de la Sabiduría. Aparecen además, con sus respectivos atributos, Apolo, como dios de la poesía, Neptuno y Mercurio, que representan las cualidades del educador, la razón y la elocuencia, que se han querido identificar como inspiradoras de las decisiones del soberano.

Los dos escultores más importantes son:

Antonio Canova (1757-1822)

Es el escultor más representativo del neoclasicismo y, por supuesto, de Italia. Nació cerca de Venecia, ciudad en la que vivió hasta que con 22 años se trasladó a Roma y donde pronto realizará encargos de cierta importancia.

La Gypsoteca (o museo de calcos de yeso) y Museo de Antonio Canova en Possagno. Allí se encuentran todos los modelos en yeso que utilizó el escultor.

Antes de entrar a analizar su obra creo que es muy importante conocer cómo era el proceso de creación artística de Canova. El artista seguía un largo proceso creativo, que comenzaba por el diseño o boceto inicial de la estatua en papel y en arcilla o cera, puesto que tenía que hacerse una idea tridimensional de lo que quería que fuese su resultado final. La siguiente fase era la construcción de la estatua en arcilla a la misma escala de lo que quería como objeto final sobre la que se proyectaba el yeso para crear la llamada "forma negativa". En esta escultura en yeso se insertaban los clavos de bronce con los que transfería, por medio de brújulas y pantógrafos, las medidas al bloque de mármol. Finalmente retocaba, lijaba y pulía hasta obtener la textura y acabado final deseado.

Francesco Chiarottini. Interior del estudio de Antonio Canova en Roma, 1782. Acuarela y guache, Museo Civico, Udine. A la vista están los modelos de yeso y las ampliaciones de mármol, más los asistentes y sus herramientas necesarias para ampliar. Además, también se presentan dos sistemas básicos para hacerlo. Ambos dependen de la medición hacia adelante y hacia atrás, ya sea mediante las pinzas de metal apoyadas debajo de la figura de la Humildad (abajo izquierda), o mediante los tres marcos de madera suspendidos sobre las otras figuras monumentales que hay en el estudio, de las cuales se deben colgar líneas de plomada paralelas.

El Monumento funerario de Clemente XIV inaugura una larga serie de encargos de mausoleos, que le consagran como escultor de la muerte.

Antonio Canova. Monumento funebre a Clemente XIV, 1783-87. Mármol de Carrara, 720 cm de altura Basílica de los Doce Santos Apóstoles, Roma. Canova todavía se muestra barroco, cuando coloca al pontífice sedente en su cátedra con su brazo derecho levantado siguiendo el modelo de Bernini del mausoleo de Urbano VIII en San Pedro del Vaticano. Sin embargo, las figuras alegóricas femeninas de debajo, la templanza y la humildad, tienen una apariencia más neoclásicas pues no posan agitadas como en el monumento de Bernini, sino tranquilas y resignadas, pensadas para reflexionar serenamente sobre el destino de la humanidad. Ha desaparecido la alusión macabra del esqueleto saliendo del sarcófago para anunciar la brevedad de la vida y el fin que a todos los mortales espera (mensaje barroco) y la mezcla colorística de materiales.

En 1810 se traslada a Paris, realizando diversas obras para Napoleón y su familia: a su madre Leticia y a su hermana. Precisamente de Paulina Bonaparte Borghese, la hermana del Emperador, hace una de sus obras más icónicas junto con el Napoleón como Marte pacificador en 1806. Se trata de un retrato personificándola como a Venus victoriosa del concurso de la belleza entre las diosas. La composición es típica del neoclasicismo: está desnuda y tendida lánguidamente sobre una cama de estilo imperio. La vuelta al clasicismo helénico determina en el retrato la pérdida de rasgos individuales y la idealización del cuerpo.

Antonio Canova. Retrato de Paulina Bonaparte Borghese, 1805-08. Mármol blanco de Carrara, 160 x 192 cm. Galería Borghese, Roma. La hermana de Napoleón está representada a la manera de una Venus clásica, sensual, pero al mismo tiempo fría y distante. Además de los desnudos escultóricos griegos, se inspira en arquetipos renacentistas como la Danae de Correggio o las Venus de Giorgione y Tiziano.

Antonio Canova. Napoleón Bonaparte como Marte vencedor y pacificador, 1803-06. Canova eligió para representar a Bonaparte de acuerdo al modelo de emperador-dios (si no fuera porque fue encontrado en Lanuvio en las excavaciones de 1865, es la estatua de Claudio como Júpiter la que más se asemeja al modelo. Napoleón aparece desnudo (lo que dicho sea de paso no agradó al emperador), con su brazo izquierdo sosteniendo un globo dorado y la figura de una Victoria alada. El canon humano también le aproxima al Doríforo. Triunfó la estética del escultor sobre el gusto del cliente y Canova decidió que el desnudo clásico era la forma de sublimar la belleza o el heroísmo. Napoleón siguió su criterio y arrinconó la colosal estatua de 3,40 m. de altura y 15 toneladas de peso en un rincón del Louvre. Tampoco gustó a los borbones, restaurados tras la caída del emperador, tener a este advenedizo presidiendo su palacio, por lo que se deshicieron de ella. La paradoja es que se la vendieron al que pudo ser el mayor enemigo de Napoleón, el duque de Wellington, que pareció encantado de tenerla en su poder desde 1817. Hoy en día se puede contemplar en el arranque de las escaleras de su casa en Londres, Apsley House.

A la caída de Napoleón regresará a París, enviado por el Papa, para recuperar los tesoros vaticanos expoliados por los franceses. Enterados los ingleses de su presencia en Francia, le invitarán en 1815 a que opine sobre los mármoles del Partenón que Lord Elgin había trasladado al Museo Británico. El impacto de Grecia fue tremendo. Bajo este efecto realiza Las tres gracias.

Antonio Canova. Las Tres Gracias (detalle), 1814-17. Hijas de Zeus que representaban la belleza, el encanto y la alegría. El trabajo de Canova desafió la concepción de la belleza barroca que fijaba un canon corporal más bien grueso, como se puede ver en la pintura Las tres Gracias de Rubens (Museo del Prado). Su canon humano está más en la línea renacentista de Las Tres Gracias de Rafael. Canova muestra a las Gracias como jóvenes núbiles y esbeltas que difunden esplendor, alegría y prosperidad en el mundo humano y natural. Ideal de belleza femenina serena que algunos se empeñan en ver sensual.

La obra de Canova surge de la experimentación con la materia en la búsqueda de una belleza ideal. Se le considera el escultor más técnico que ha habido después de Bernini. Su fuerte está en el virtuosismo de la ejecución, pero también en la gracia de la concepción. La calidad que transmite a sus estatuas se fundamenta en un lustroso acabado final, ya que patina con piedra pómez sus estatuas para crear efectos táctiles y crear líneas muy nítidas. Dominan en su escultura la ausencia de gestos, la sobriedad y la serenidad del movimiento. Como buen clásico, ama la juventud. Sus personajes son siempre jóvenes y lozanos. Escultor de dioses, de la mujer sólo conoce la belleza externa. Se le escapa la íntima sensibilidad femenina, que tan bien había conseguido el rococó. De ahí que sus mármoles sean fríos.

Antonio Canova. Hebe, 1800-05. El éxito que tenían las esculturas de Cánova le obligaban a realizar múltiples versiones sobre las mismas con el fin de dar abasto a la amplísima demanda de esculturas que le encargaban. Este es el caso de Hebe, de la cual se han encontrado al menos cuatro versiones. Hebe, hija de Zeus y Hera, debido a su juventud era la encargada de ayudar a otros dioses y hacer de copera en los banquetes de éstos sirviéndoles la ambrosía o néctar de los dioses. En un descuido la joven Hebe tropezó y derramó el codiciado brebaje por lo que Zeus la sustituyó de su cargo y aprovechó para poner en su puesto al joven Ganímedes.

Bertel Thorvaldsen (1770-1844)

Es danés, pero se traslada a Italia al poco tiempo de cumplir los treinta años y ahí reside toda su vida. Su neoclasicismo es más puro que el del escultor veneciano. La búsqueda constante de la pureza formal hace a sus obras demasiado frías y académicas. Le interesa sobre todo la estatuaria griega por encima de la romana.

Bertel Thorvaldsen: Jasón y el vellocino de oro, 1803. Thorvaldsen´s Museum. Esta obra, basada en el Doríforo de Policleto y el Apolo de Belvedere, conquista de inmediato la admiración de todos debido a su nobleza, la perfección de sus formas y el equilibrio de sus volúmenes, que no se va perturbado por la expresión de contenidos pasionales. Fue tal su reputación que para satisfacer los encargos tenía, en 1820, cuarenta ayudantes en su taller de Roma.

Tiene un contacto directo con Grecia, restaurando los mármoles de Egina entre 1816 y 1818, que fueron sus principales modelos. Obras como Ganímedes y el águila, Jasón y el vellocino de oro, Las tres gracias, etc., cumplen con el ideal de armonía, simetría, proporción. Sus personajes son insensibles, desprovistos de pasiones y sentimientos. Escultor de la aristocracia europea.

Veamos ahora la presentación sobre la escultura neoclásica.

Escultura neoclásica en España.

La introducción del neoclasicismo en la escultura española fue un proceso lento. La tradición barroca estaba muy arraigada en nuestro país y no podía desaparecer de golpe. Cuando en 1752 se funda la Academia de San Fernando (principal instrumento de difusión del Neoclasicismo), todavía los escultores estaban muy ligados a las fórmulas tardobarrocas. La madurez del neoclásico no se alcanzará hasta finales del reinado de Carlos III y los reinados de Carlos IV y Fernando VII. Además, se continúa haciendo mucha escultura religiosa -en proporción numérica infinitamente mayor que la profana-, pero en cuanto a la estética, es la escultura profana, estatal casi en su totalidad, la que marca la pauta.

José Ginés. Venus y Cupido, 1807. Mármol, 150 x 58 cm. Museo del Prado. Este grupo es uno de los destacados ejemplos que testimonian la versatilidad de los escultores que trabajaron en el comienzo del siglo XIX, ya que es una excepción, tanto en planteamiento como en materiales, de la producción de su autor, exponente de la escultura de tradición barroca e imaginera. Con esta Venus manifiesta su asimilación de la estética neoclásica en su máxima expresión a través del conocimiento de los vaciados que conservaba la Real Academia. Es una escultura en la que el desnudo, reposado y sereno, busca sobre todo el canon clásico de belleza, elegante y depurada, testimonio de la propia madurez estética del artista. Enlaza con la tradición de este tema en el arte neoclásico español, marcado por la Venus de la Concha o de la Alameda, 1793, obra en mármol de Juan Adán, encargada por de la duquesa de Osuna. Es indudable la inspiración de Ginés en esa obra y en las Venus clásicas, como la de Médicis, en la idea de taparse los senos, la posición girada y la disposición del cuerpo y presenta ciertas analogías con las interpretaciones de Canova.

El papel dirigente del arte, ostentado hasta entonces por la Iglesia, pasa a manos del Estado y de su equipo de Ilustrados. En 1777 Floridablanca prohíbe el uso de madera en los retablos, con lo que se evitarían incendios y gastos en dorados. El diseño urbanístico de Madrid propiciado por la monarquía se beneficia de algunas de las más espléndidas fuentes, realizadas a caballo del espiritu del barroquismo final y del nuevo interés neoclásico.

Veamos algunos de los artistas y obras más destacadas.

Francisco Gutiérrez es el autor de la emblemática Fuente de la Cibeles (1777-1782). Está dentro de la empresa urbanística del museo del Prado. La idea de estatua fuente es todavía barroca, pero en el espíritu algo cambia. Cibeles tirada por sus leones cobrada dignidad, sin que haya ideas secundarias que distraigan el paso sereno de la diosa. Juan Pascual de Mena realiza otra fuente dedicada a Neptuno, 1782.

Manuel Álvarez realiza la Fuente de Apolo. Vemos al dios con tranquila grandiosidad y noble serenidad, y con la expresión del rostro libre de internos tumultos de pasiones. Estos elementos se consideran como el máximo valor. El ritmo un poco gracioso, encurvado, es una preocupación todavía rococó.

La figura más representativa fue José Álvarez Cubero, quien formado en la Academia de San Fernando, consiguió una beca para perfeccionarse en París y Roma, donde conoció a Canova. Al regresar a España fue nombrado escultor de cámara de Fernando VII. Su producción cuenta con motivos mitológicos y retratos, pero sus mayores logros los conseguirá con las alegorías, como La defensa de Zaragoza (1819), su obra maestra. Inspirado en un episodio de la Guerra de la Independencia contra los franceses, presenta a un joven que lucha hasta la muerte por salvar a su padre, quien, posteriormente, muere de dolor. Esta obra, de fuerte carga emocional, está sin embargo realizada con un estilo frío y un tanto rígido, muy ceñida a la pirámide compositiva, lo que no impide que trasmita todo el ardor patriótico. La historia entra en el arte a través de su mitificación. Tiene que suprimir todo lo que lleve a lo concreto, ya que eso no es digno ni es noble. Así se ve la historia como la guerra de Troya: la épica clásica. En el aspecto plástico, el grupo está relacionado con el grupo de los Tiranicidas y con el Gálata suicidándose.

José Álvarez Cubero. María Isabel de Braganza, reina de España,1826 - 1827. Mármol de Carrara, 145 x 77 cm. La retratada es la segunda mujer de Fernando VII. Los antecedentes en que se inspiró el escultor en el arte clásico así como Canova (Lucrecia) para este tipo de retrato sedente son las figuras de matronas romanas del tipo de Agripina sentada, como símbolo solemne de la Roma.

Otro interesante autor es Damián Campeny i Estrany quien, formado en Barcelona, también acabó sus estudios en Roma, conoció a Canova y Thorwaldsen y, a su vuelta, trabajó al servicio del rey. Su obra maestra es Lucrecia muerta (realizada en yeso en 1804 y en mármol en 1834) en la que aparece la esposa del rey Tarquinio, muerta tras suicidarse con un puñal: había sido violada por Sexto, el hijo del rey y no superó esa afrenta. Este acontecimiento es el punto de partida de la proclamación de la República romana. Con marcado carácter escenográfico y cierta frialdad, Campeny representa a la heroína romana desplomada en una silla. Como buen neoclásico, aborrece la violencia. Por eso nos coloca a Lucrecia sentada, a la manera romana, pero ya muerta. Vuelve el sentido clásico de lo "obsceno": lo que se hace fuera de la escena. La muerte no se ve en el teatro clásico. Se narra después. El barroco hacía lo contrario. Es una obra finamente esculpida y llena de sensibilidad, pese a la frialdad del mármol. Los paños semejan los paños mojados; el cuerpo está definido por curvas amplias. Hay una sensación de desmayo reposado.

Vicente Rodés. Retrato de Damià Campeny en su taller, a. 1838. Óleo sobre lienzo, 136 x 105 cm, Real Academia catalana de Bellas Artes de Sant Jordi. El espíritu de un taller de escultura neoclásico en este cuadro.

Antonio Solá (1787-1861) también es catalán, pero se forma en Roma, donde permaneció muchos años y fue seguidor de Thorvaldsen. Estuvo en prisión en 1808 con otros artistas españoles por negarse a reconocer a José Bonaparte como rey. Fue nombrado director de la Academia Española de Bellas Artes de Roma, así como escultor de cámara honorario en 1846. Cumplió con fidelidad sus compromisos enviando periódicamente obras a Madrid cargadas del gusto clásico, en el que se movía con gran desenvoltura. Es autor, entre otras obras monumentales, de la estatua en bronce de Cervantes (1835) situada en la plaza de las Cortes de Madrid y del grupo Daoiz y Velarde de la plaza de la Moncloa (1830).

Antonio Solá. Estatua de Cervantes, 1835. Bronce. Fue la primera estatua que abrió el fenómeno estatuario conmemorativo de artistas y escritores. A ella le seguirían estatuas de Murillo, Goya, Velázquez, Quevedo... Los símbolos patrios de excelencia en las Artes y las Letras.

Antonio Solá. Daoíz y Velarde, 1830. Mármol. Esta es la obra, que le ha dado la fama, es el prototipo junto con La defensa de Zaragoza de Cubero de la estatuaria heroica española. Hecha en Roma, sigue la norma neoclásica de tratar un hecho contemporáneo con referencias clásicas. Imita a los Tiranicidas.

Tournai (Bélgica)

Una de las ciudades más antiguas de Valonia y de toda Bélgica, con un rico patrimonio, que tuvo un papel político y económico muy importante en el condado de Flandes durante la Edad Media. Tanto su campanario cívico (Belfort), como la catedral de Notre Dame están incluidos en la lista de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. La catedral, que combina elementos románicos y góticos, es célebre por sus cinco campanarios.